eigenlijk wil ik het in deze recensie helemaal niet over muziek hebben. de prachtig vormgegeven boxset met het verzameld werk van steven wilsons incredible expanding mindfuck, uitgebracht door het rotterdamse label tonefloat in een gelimiteerde oplage van 2000 exemplaren, bevat namelijk een waarlijk wonderschone fotocollectie. dit beeldmateriaal, dat evenwel niet direct gelinkt is aan het project (hoewel de mollige, helder in de camera kijkende baby van “arcadia son” zomaar wilson zelf zou kunnen zijn), stamt voornamelijk uit de periode tussen 1900 tot de jaren rondom de tweede wereldoorlog en bevat onder meer afbeeldingen van britse en duitse militairen, kinderen en recreanten uit de jaren ’40 van de vorige eeuw, en afbeeldingen uit voormalige britse kolonies als india. door het gebruik van dit soort beeldmateriaal is dit verzameld werk van iem visueel zeer indrukwekkend.
hoewel de meeste plaatjes (zonder toelichting) in het bij de cds geleverde fotoboekje staan, zijn mijn favoriete afbeeldingen de set foto’s die gebruikt is voor de individuele hoes van “an escalator to christmas”. voorop de cover staat een beroemde schimmige en grimmige foto van de londense st paul’s cathedral omhuld met de rook van de brandende stad. achterop en op het ingevoegde cd-hoesje staan afbeeldingen van dezelfde kathedraal bezien door de ruïnes van tijdens de blitz platgebombardeerde gebouwen aan cannon street en (vermoed ik) st paul’s churchyard. gedurende de blitz was st paul’s een belangrijk doelwit voor duitse bombardementen, maar wonderlijk genoeg werd de kathedraal, die door de regering van churchill beschouwd werd als een belangrijk symbool van de britse standvastigheid en daarom continu bewaakt werd door brandwachten, niet verwoest. de omgeving van de kathedraal werd echter wel ernstig beschadigd door de duitse bommenregens die londen in 1940 en 1941 teisterden. enfin, de moraal van dit verhaal: wat vormgeving betreft is de iem-boxset zonder meer met lof geslaagd.
zoals steven wilson aangeeft in een interview in het tonefloat magazine, dient “the complete iem” – de boxset is officieel titelloos maar wordt wel zo genoemd door wilson – gezien te worden als de officiële afsluiting van incredible expanding mindfuck: “this is all the iem music that there will ever be”. hoewel in 2005 nog een cd-versie van het eerste album en de ep “an escalator to christmas” uitkwam, is er sinds 2001 geen nieuw materiaal meer uitgebracht van wilsons uitgebreide aubade aan krautrockgroepen als neu!, can en amon düül ii en de jazzmuzikant sun ra. de boxset verzamelt niet alleen de drie reguliere albums van het project, “i.e.m.”, “arcadia son” en “iem have come for your children”, maar bevat ook de ep “an escalator to christmas” met extra tracks. hoewel al dit materiaal al eerder is uitgebracht, was het grotendeels niet meer te verkrijgen, en is het bovendien voor deze definitieve uitgave grondig opgepoetst.
de (instrumentale) muziek van iem is grotendeels geïmproviseerd, aanvankelijk door wilson alleen maar op “arcadia son” en “iem have come for your children” met een drietal andere muzikanten, waaronder colin edwin, de bassist van porcupine tree. hoewel duidelijk is dat wilson voor iem zijn inspiratie voornamelijk ontleend heeft aan zijn kraut- en spacerockidolen, is de muziek toch direct herkenbaar als een typisch product van de ongebreidelde werklust van de engelsman. iem werd begin jaren negentig opgericht en stamt als zodanig uit dezelfde periode van wilsons ontwikkeling als het eerste album van porcupine tree, “up the downstair”. bij deze fase in wilsons werk staan improvisatie en experiment centraal – met in het geval van iem ietwat wisselende doch overwegend goede resultaten, met uitblinkers als het mijmerende headphone dust. de luisteraar die bekend is met het vroege werk van wilsons voornaamste project zal direct bespeuren dat iem een uitwerking is van de muzikale kant van wilson waaruit ook porcupine tree-tracks als “up the downstair” en “voyage 34” zijn ontstaan. daarenboven is de muziek ook gelardeerd met eigenaardige gesproken stukken (onder andere over “the legendary alternative poetry band boris the cow” die spelen voor “a certain s. wilson” op het mooie an escalator to christmas), zoals ook pt-albums als “up the downstair” en “signify” ingeleid worden door faux radiointroducties. vanwege deze parallellen is iem dan ook met name interessant voor liefhebbers van het vroege werk van porcupine tree.
hoewel steven wilson iem nooit dezelfde status heeft willen toekennen als belangrijkere projecten als no-man en porcupine tree is de muziek toch zeker het beluisteren waard, en deze boxset is dan ook een waardige conclusie van een minder bekende richting in wilsons oeuvre. de kwaliteit van het materiaal is soms wisselvallig, maar zowel als historisch document als vanwege de muziek zelf is “the complete iem” een bijzonder fraaie en zonder meer gerechtvaardigde release. met engels gevoel voor understatement herhaalt wilson in zijn tonefloat-interview het oorspronkelijke idee achter de release: “let’s give the project one last hurray and let’s do it properly and package it nicely”. “one last hurray” indeed: met dit prachtige monument zal iem niet snel in de vergetelheid raken.
source: progwereld
tfc109, a review (2)
sometimes when life is hectic, it asks for you to just let it be until the melting point has been reached. there’s nothing you can do to soothe these times, except to just rough it out. as life has been like this for me lately, it is possibly the reason why i haven’t listened to lything by still light in a while. well, with the changing of the season and the end of school, life has calmed down and i went back to this humble little record which has been patiently waiting for me to devour it and really listen to it. i found that the album sounds exactly what i would imagine still light to sound like if light could make music: floating and moving in its invisible form. the melodies whisper calm and gentle sounds that enter your ears with such grace that you can’t do anything but freeze and listen. so, stop what you’re doing, scroll down, and listen to the music provided for you below!
still light, a modest band who do not even have photos of themselves on their myspace, really do save the best for last with tenebre, the wonderful 7 minute closing track of lything. almost the whole album (with the exception of footprints in the garden and hour of the wolf) is kindled by a soft male-female vocal harmony. the two voices, instead of fighting against each other to create two contrasting feelings for the listener, work together to unify each song, and also, the album as a whole.
we’ve called still light “the brightest hidden gem”, challenging you to figure out what is so geniune and sincere about their music. for me, it is so perfect in its own composition that it is not malleable to the listeners’ conditions to be simply background music. instead, you must commit yourself and let the music take you for an incredibly dreamy ride – the you won’t want to wake up from. lucky for us, cd’s are re-playable and we can go back to this dream-like state whenever we see fit. a gem is something that is so perfect in its nature that there’s no need or room for change. a gem also does not need to be on the main stage (no wordplay intended…) to remain to beautiful. beauty this rare needs to be handled patiently, gently and warm heartedly – needless to say, don’t pick up lything if you are looking for meaningless sounds that were composed with no creativity and serenity. not that it needs to be taken so seriously, but it just needs to be appreciated for what it is, because, well, some music is just like that.
source: wolves among the sheep
still light, a modest band who do not even have photos of themselves on their myspace, really do save the best for last with tenebre, the wonderful 7 minute closing track of lything. almost the whole album (with the exception of footprints in the garden and hour of the wolf) is kindled by a soft male-female vocal harmony. the two voices, instead of fighting against each other to create two contrasting feelings for the listener, work together to unify each song, and also, the album as a whole.
we’ve called still light “the brightest hidden gem”, challenging you to figure out what is so geniune and sincere about their music. for me, it is so perfect in its own composition that it is not malleable to the listeners’ conditions to be simply background music. instead, you must commit yourself and let the music take you for an incredibly dreamy ride – the you won’t want to wake up from. lucky for us, cd’s are re-playable and we can go back to this dream-like state whenever we see fit. a gem is something that is so perfect in its nature that there’s no need or room for change. a gem also does not need to be on the main stage (no wordplay intended…) to remain to beautiful. beauty this rare needs to be handled patiently, gently and warm heartedly – needless to say, don’t pick up lything if you are looking for meaningless sounds that were composed with no creativity and serenity. not that it needs to be taken so seriously, but it just needs to be appreciated for what it is, because, well, some music is just like that.
source: wolves among the sheep
tfc109, a review
talvolta capita che l’incontro, più o meno fortuito, di differenti esperienze e personalità artistiche porti a risultati sorprendenti e non facilmente pronosticabili. e’ quello che è accaduto nel caso dell’estemporaneo connubio artistico tra tre musicisti di diversa estrazione culturale e provenienti da differenti città e nazioni: il polistrumentista americano kirill nikolai, la cantautrice scozzese lucy hague e l’enigmatico menestrello inglese sand snowman hanno dato vita agli still light, il cui debutto, “lything”, uscito in edizione limitatissima e confezionato a mano dalla “micro” etichetta apollolaan records di proprietà di matt shaw (meglio conosciuto come tex la homa), vede ora la luce anche in vinile per la benemerita label olandese tonefloat.
registrato tra l’appartamento di nikolai a boulder, colorado, quello di lucy hague a edimburgo, e lo studio casalingo messo a disposizione da sand snowman a londra, “lything” si presenta come un classico album di folk psichedelico “casalingo”: dalla foto di copertina che ritrae un bucolico paesaggio immerso nella nebbia, passando per la strumentazione prevalentemente acustica fino agli arrangiamenti vocali che richiamano direttamente i mostri sacri del genere - pentangle su tutti - le influenze del folk britannico degli anni sessanta e settanta sono evidentissime.
ma le fonti di ispirazione del trio non si fermano qui: il cantautorato sixties - e il suo nume tutelare nick drake - la psichedelia più gentile e le forme vagamente “progressive”, tutto contribuisce al sottile fascino di questo intenso debutto.
l’atmosfera, lungo i sei brani che compongono “lything”, è sognante ed eterea, ma al contempo umbratile e sempre attraversata da una sotterranea tensione emotiva che riveste di tinte fosche alcune delle composizioni meglio riuscite (“a remedy”, “tenebre”).
la musica degli still light andrebbe ascoltata ad occhi chiusi, immersi nella penombra, e rimanda - anche in un brano che presenta aperture armoniche più “solari” come “august” - a cieli plumbei e a paesaggi urbani avvolti nella foschia, dove improvvisi scorci naturalistici, illuminati dal pallido sole invernale che fa capolino tra le nubi, rischiarano e rasserenano il paesaggio sonoro. voci che si inseguono su tappeti di delicatissimi drones e chitarre acustiche (“hour of the wolf”), organo, piano, banjo e xilofono sono tutti ingredienti del raffinato e coinvolgente mosaico sonoro convogliato dai brani dell’inatteso esordio di still life.
“tenebre”, con un banjo vagamente country e il viluppo delle voci di kirill e lucy di eccezionale potenza evocativa, chiude l’album e ne rappresenta l’apice emotivo e compositivo.
“lything” è come un fulmine a ciel sereno. come la quiete prima della tempesta. una oscura gemma di raccolto e diafano folk psichedelico, adagiato su mirabili armonie vocali, melodie aggraziate ed eleganti e arrangiamenti misurati e accuratissimi. un esempio lampante di come a volte la musica sgorghi, senza alcuna mediazione, direttamente dall’anima.
source: ondarock
registrato tra l’appartamento di nikolai a boulder, colorado, quello di lucy hague a edimburgo, e lo studio casalingo messo a disposizione da sand snowman a londra, “lything” si presenta come un classico album di folk psichedelico “casalingo”: dalla foto di copertina che ritrae un bucolico paesaggio immerso nella nebbia, passando per la strumentazione prevalentemente acustica fino agli arrangiamenti vocali che richiamano direttamente i mostri sacri del genere - pentangle su tutti - le influenze del folk britannico degli anni sessanta e settanta sono evidentissime.
ma le fonti di ispirazione del trio non si fermano qui: il cantautorato sixties - e il suo nume tutelare nick drake - la psichedelia più gentile e le forme vagamente “progressive”, tutto contribuisce al sottile fascino di questo intenso debutto.
l’atmosfera, lungo i sei brani che compongono “lything”, è sognante ed eterea, ma al contempo umbratile e sempre attraversata da una sotterranea tensione emotiva che riveste di tinte fosche alcune delle composizioni meglio riuscite (“a remedy”, “tenebre”).
la musica degli still light andrebbe ascoltata ad occhi chiusi, immersi nella penombra, e rimanda - anche in un brano che presenta aperture armoniche più “solari” come “august” - a cieli plumbei e a paesaggi urbani avvolti nella foschia, dove improvvisi scorci naturalistici, illuminati dal pallido sole invernale che fa capolino tra le nubi, rischiarano e rasserenano il paesaggio sonoro. voci che si inseguono su tappeti di delicatissimi drones e chitarre acustiche (“hour of the wolf”), organo, piano, banjo e xilofono sono tutti ingredienti del raffinato e coinvolgente mosaico sonoro convogliato dai brani dell’inatteso esordio di still life.
“tenebre”, con un banjo vagamente country e il viluppo delle voci di kirill e lucy di eccezionale potenza evocativa, chiude l’album e ne rappresenta l’apice emotivo e compositivo.
“lything” è come un fulmine a ciel sereno. come la quiete prima della tempesta. una oscura gemma di raccolto e diafano folk psichedelico, adagiato su mirabili armonie vocali, melodie aggraziate ed eleganti e arrangiamenti misurati e accuratissimi. un esempio lampante di come a volte la musica sgorghi, senza alcuna mediazione, direttamente dall’anima.
source: ondarock
tf090, a review (4)
er zullen allicht niet veel muziekverzamelaars zijn die materiaal hebben van ex-wise heads. het obscure duo geoff leigh (van de progrockband henry cow) en porcupine trees bassist colin edwin mag dan al wel vier releases op de markt gegooid hebben, echt grote verkoopcijfers zijn nooit echt aan deze heren besteed. meer nog, het is dankzij een boel gelimiteerd uitgebrachte tapes en elpees dat ex-wise heads zijn ondergrondse status wist uit te bouwen. gelukkig bestaat er dan een label als tonefloat dat niet enkel besluit om het voordien slechts op driehonderd exemplaren geperste ‘celestial disclosure’ digitaal te heruitgeven, maar aan de twee lange werkstukken van het album ook nog een derde, onuitgegeven track toe te voegen.
‘celestial disclosure’ bevat dus drie heerlijk lange tracks die telkens een heel auditief verhaal bevatten, maar waarin vooral een warme, improviserende bas veel vrij spel krijgt. het aantal ingrediënten en de permanente beweging van deze expressieve muziek is erg groot.
het mooi getitelde ‘heliosphere’ begint als een hedendaags klassiek stuk waarbij strijkers een abstracte promenade maken en houtblazers een duistere, ongemakkelijke sfeer neerzetten. na enkele minuten breekt het nummer open met indisch tablaspel en een psychedelisch ronddolende dubbas, die van bill laswell lijkt gestolen te zijn. pas na tien minuten volgt een definitieve ondersteuning van drum, waardoor de song echt helemaal losbarst. het is echter de warboel van onderhuids kruipende ingrediënten die tegelijkertijd boeit, broeit en de luisteraar meezuigt in een sfeervolle, onduidelijke waas.
‘solar mass’ klinkt helemaal anders dankzij een permanente, warme grondtoon, gemoedelijk basspel en stoten van een dwarsfluit die samen een perpetuum mobile vormen van drumloze ambientscapes. dit charmerende sfeertapijt combineert schoonheid, eenvoud en mysterie in een soort van indiaans schimmenrijk en krijgt subtiele ritmeaccenten mee van houtblok, conga en belletjes. ook deze keer krijgt de track een extra push doordat expliciet (jazz)drumwerk en jankende, solerende sax invallen. de introductie hiertoe duurt nu zelfs veertien minuten, om na enkele krachtige muzikale stoten langzaam opnieuw uit te sterven.
het derde, toegevoegde stuk laat ook een extra gast aan het woord. rajan spolia mag openen met zijn sensuele, akoestische spaanse gitaar. vrij snel wordt zijn introvert sfeerbeeld opgesmukt met bas- en drumwerk om tot een fijn stukje donkere jazz te komen. ditmaal zijn de accenten oosters en sereen, dankzij schuifelende ritmiek en een zwevende fluit.
deze in een kartonnen box uitgegeven cd is een snoepje voor muzikale ontdekkingsreizigers. ex-wise heads zorgt voor een uur intrigerende gevoelsmuziek met een permanente dynamiek, maar neemt toch de nodige tijd om zijn langdurige werken voldoende zuurstof te geven. ‘celestial disclosure’ is, net als de band zelfeen must voor de ruimdenkende avonturier.
source: kwadratuur
‘celestial disclosure’ bevat dus drie heerlijk lange tracks die telkens een heel auditief verhaal bevatten, maar waarin vooral een warme, improviserende bas veel vrij spel krijgt. het aantal ingrediënten en de permanente beweging van deze expressieve muziek is erg groot.
het mooi getitelde ‘heliosphere’ begint als een hedendaags klassiek stuk waarbij strijkers een abstracte promenade maken en houtblazers een duistere, ongemakkelijke sfeer neerzetten. na enkele minuten breekt het nummer open met indisch tablaspel en een psychedelisch ronddolende dubbas, die van bill laswell lijkt gestolen te zijn. pas na tien minuten volgt een definitieve ondersteuning van drum, waardoor de song echt helemaal losbarst. het is echter de warboel van onderhuids kruipende ingrediënten die tegelijkertijd boeit, broeit en de luisteraar meezuigt in een sfeervolle, onduidelijke waas.
‘solar mass’ klinkt helemaal anders dankzij een permanente, warme grondtoon, gemoedelijk basspel en stoten van een dwarsfluit die samen een perpetuum mobile vormen van drumloze ambientscapes. dit charmerende sfeertapijt combineert schoonheid, eenvoud en mysterie in een soort van indiaans schimmenrijk en krijgt subtiele ritmeaccenten mee van houtblok, conga en belletjes. ook deze keer krijgt de track een extra push doordat expliciet (jazz)drumwerk en jankende, solerende sax invallen. de introductie hiertoe duurt nu zelfs veertien minuten, om na enkele krachtige muzikale stoten langzaam opnieuw uit te sterven.
het derde, toegevoegde stuk laat ook een extra gast aan het woord. rajan spolia mag openen met zijn sensuele, akoestische spaanse gitaar. vrij snel wordt zijn introvert sfeerbeeld opgesmukt met bas- en drumwerk om tot een fijn stukje donkere jazz te komen. ditmaal zijn de accenten oosters en sereen, dankzij schuifelende ritmiek en een zwevende fluit.
deze in een kartonnen box uitgegeven cd is een snoepje voor muzikale ontdekkingsreizigers. ex-wise heads zorgt voor een uur intrigerende gevoelsmuziek met een permanente dynamiek, maar neemt toch de nodige tijd om zijn langdurige werken voldoende zuurstof te geven. ‘celestial disclosure’ is, net als de band zelfeen must voor de ruimdenkende avonturier.
source: kwadratuur
tfc110, a review
most people think of minimalism as a form of constraint. to jon attwood, it has, contrarily, acted as a compass in his quest for perfection. throughout his career, the leicestershire-based guitarist has acted upon the maxim that a piece of music is at its best when the addition of even a single note will significantly reduce its impact. regarding purity as the strongest form of expression, his work doesn’t need to make recourse to the typical technique of systematically subtracting and scraping away sonic layers. drawing from, yet never strictly adhering to the dogmas of, genres like folk, ambient, post-rock and neoclassical, his romantically inclined compositions instead jump straight to the emotional core and then set out to gradually deepen it by means of subtle variations and shifts in perspective. the approach is a constant balancing act, which is as rewarding as it is risky – even after roughly eighty releases and twelve years of experience, not a single session in the studio is assured to yield results. or, as he once dryly put it himself in an interview: “sometimes things happen and sometimes they don’t.”
on his latest solo release in time this too will fade they certainly did. all cuts contained on the album discretely pay homage to his personal education in punk and post-punk by working with the most reduced amount of material imaginable. the most astounding thing here is not so much that attwood relies on no more than three chords per piece – but that he essentially relies on nothing else. for a majestic eighteen minutes, opener „00:30“, rotates around the same harmonies, as the music transits from a pastoral opening section involving piano, acoustic guitar and bass to a series of intimate settings, in which the focus passes from one instrumental combination to the next and the progression is discretely enriched by plaintive, mandolin-like tremolos. only towards the end, a piercing wall of fuzzy distortion wells up from the depth until it all but swallows the piece. but rather than rising to the level of a storm, it remains put, then, as if adhering to the theme set out in the title, fades away again, opening up the view to a peaceful coda. this constant transformation of a set of outwardly trivial themes and the arranging of a highly limited set of instruments into finely nuanced timbral groups awards decidedly symphonic dimensions to what would barely have sufficed for a three and a half minute miniature in less capable hands.
even though the two pieces on the b-side of the album are of a more linear disposition, they, too, create ample suspense. instead of making recourse to colour and variation, attwood here works with hidden rhythmical spikes, which, just underneath the listener’s radar of consciousness, create subtle frictions. „20.1.10“, for example, builds a loop of three chords, the first of which is sustained for seven bars, the second for nine and the final for two bars of eight beats. as a whole, this construction is perfectly symmetrical, composed of two equal-length parts. nonetheless, it is an uneasy symmetry, with the second triad always coming a tad too early and the third a bit too late. it is hard to believe that these pieces can actually be sustained on these premises. all but a handful of attwood’s colleagues would surely have been tempted to include at least a tiny melody here or a couple of sound effects there. but repeat listens convincingly prove that they would only be of harm. in time this too will fade takes its audience to a dark place, at which the world presents itself in hazy outlines and opaque contours and as mirror images of an emotional turmoil raging underneath. rather than displaying his own inner life, which would allow listeners to sit back and merely observe, he forces them to face their deepest fears and pains - no adornments could make this experience seem more intense.
clearly, the approach fits in with some of the current developments in the field of guitar drones, where a tendency towards a more „musical“ vocabulary – as opposed to a purely „sound“-oriented one – has coincided with a strict focus on essence. no wonder attwood should see parallels with dirk serries’s microphonics-project, which, too, is built around all but imperceptible movements between a rotating set of repeating lines – under the title of the sleep of reason, the two have already started work on a collaboration which is set to present first results sometime in 2011. on the other hand, yellow6 really is no drone project as such, even though it attains a similarly immersive effect. perhaps it would be best to regard it as a form of working with time in a way that is rather indicative of eastern approaches than european ones: somehow, in all of these tracks, space is already there and the music foremost serves to make it audible.
this idea is obviously immediately palpable on an album like in time this too will fade, in which the silence between two subsequent sounds is never just a vacuum. but it equally applies to death, attwood’s duo endeavour with montreal’s eric quach of thisquietarmy. in various respects, this three-track lp and five-piece cd, first episodes in a diptych, are both the exact opposite and natural companion to the former – and not just because they are again haunted by attwood’s recognisable mandolin-tremolos: what was intimate now seems imposing. what was gloomy takes on outright apocalyptic qualities. the album places its audience in a wide, borderless expanse without any kind of morphological references to human life and it can hardly come as a surprise that the work was created in a state of severe sleep-deprivation and without any kind of concrete agreements about conceptual intentions or musical directions.
one could argue that, in a way, it delineates the same kind of hallucinatory intensity as a dalí-painting. but while dalí’s worlds were always purely metaphysical and drew the listener into himself rather than into the images in front of him, the vast canvas of opener „salt“ stretches out as real and tangible as the kind of arid, uninhabited desert depicted on the album cover: tender melodic lines, fragile to the point of disappearing completely, break like waves against the cliffs of two monolithic tones, pulsating, growing and shrinking in volume like a nervous nebula. once the system is in place, all there is left for the protagonists to do is nurture it with unfaltering dedication and following it down to its logical conclusion. „furnace“, on the other hand, demonstrates the strengths of quach as a collaborator. already his meridians-ep with scott cortez showed him equally capable of leading and following and on this occasion, he infuses the yellow6-aesthetic with a more pronounced focus on tangible development. while attwood seems intent on remaining in the moment, quach reinterprets it time and again, adding consoling harmonies, reassuring themes and a narrative to the action. the music never really moves forward, but neither does it mark time, as though it were balancing on one foot, never entirely tilting to one side or the other.
as the title indicates, death is not a particularly uplifting journey, but it is never an outright depressive one either. if you look closely, there are mountains rising up at the very end of the deserts depicted on the front- and back-cover. somehow, making the promised land behind them his goal has been more important to attwood than actually getting there.
source: tokafi
on his latest solo release in time this too will fade they certainly did. all cuts contained on the album discretely pay homage to his personal education in punk and post-punk by working with the most reduced amount of material imaginable. the most astounding thing here is not so much that attwood relies on no more than three chords per piece – but that he essentially relies on nothing else. for a majestic eighteen minutes, opener „00:30“, rotates around the same harmonies, as the music transits from a pastoral opening section involving piano, acoustic guitar and bass to a series of intimate settings, in which the focus passes from one instrumental combination to the next and the progression is discretely enriched by plaintive, mandolin-like tremolos. only towards the end, a piercing wall of fuzzy distortion wells up from the depth until it all but swallows the piece. but rather than rising to the level of a storm, it remains put, then, as if adhering to the theme set out in the title, fades away again, opening up the view to a peaceful coda. this constant transformation of a set of outwardly trivial themes and the arranging of a highly limited set of instruments into finely nuanced timbral groups awards decidedly symphonic dimensions to what would barely have sufficed for a three and a half minute miniature in less capable hands.
even though the two pieces on the b-side of the album are of a more linear disposition, they, too, create ample suspense. instead of making recourse to colour and variation, attwood here works with hidden rhythmical spikes, which, just underneath the listener’s radar of consciousness, create subtle frictions. „20.1.10“, for example, builds a loop of three chords, the first of which is sustained for seven bars, the second for nine and the final for two bars of eight beats. as a whole, this construction is perfectly symmetrical, composed of two equal-length parts. nonetheless, it is an uneasy symmetry, with the second triad always coming a tad too early and the third a bit too late. it is hard to believe that these pieces can actually be sustained on these premises. all but a handful of attwood’s colleagues would surely have been tempted to include at least a tiny melody here or a couple of sound effects there. but repeat listens convincingly prove that they would only be of harm. in time this too will fade takes its audience to a dark place, at which the world presents itself in hazy outlines and opaque contours and as mirror images of an emotional turmoil raging underneath. rather than displaying his own inner life, which would allow listeners to sit back and merely observe, he forces them to face their deepest fears and pains - no adornments could make this experience seem more intense.
clearly, the approach fits in with some of the current developments in the field of guitar drones, where a tendency towards a more „musical“ vocabulary – as opposed to a purely „sound“-oriented one – has coincided with a strict focus on essence. no wonder attwood should see parallels with dirk serries’s microphonics-project, which, too, is built around all but imperceptible movements between a rotating set of repeating lines – under the title of the sleep of reason, the two have already started work on a collaboration which is set to present first results sometime in 2011. on the other hand, yellow6 really is no drone project as such, even though it attains a similarly immersive effect. perhaps it would be best to regard it as a form of working with time in a way that is rather indicative of eastern approaches than european ones: somehow, in all of these tracks, space is already there and the music foremost serves to make it audible.
this idea is obviously immediately palpable on an album like in time this too will fade, in which the silence between two subsequent sounds is never just a vacuum. but it equally applies to death, attwood’s duo endeavour with montreal’s eric quach of thisquietarmy. in various respects, this three-track lp and five-piece cd, first episodes in a diptych, are both the exact opposite and natural companion to the former – and not just because they are again haunted by attwood’s recognisable mandolin-tremolos: what was intimate now seems imposing. what was gloomy takes on outright apocalyptic qualities. the album places its audience in a wide, borderless expanse without any kind of morphological references to human life and it can hardly come as a surprise that the work was created in a state of severe sleep-deprivation and without any kind of concrete agreements about conceptual intentions or musical directions.
one could argue that, in a way, it delineates the same kind of hallucinatory intensity as a dalí-painting. but while dalí’s worlds were always purely metaphysical and drew the listener into himself rather than into the images in front of him, the vast canvas of opener „salt“ stretches out as real and tangible as the kind of arid, uninhabited desert depicted on the album cover: tender melodic lines, fragile to the point of disappearing completely, break like waves against the cliffs of two monolithic tones, pulsating, growing and shrinking in volume like a nervous nebula. once the system is in place, all there is left for the protagonists to do is nurture it with unfaltering dedication and following it down to its logical conclusion. „furnace“, on the other hand, demonstrates the strengths of quach as a collaborator. already his meridians-ep with scott cortez showed him equally capable of leading and following and on this occasion, he infuses the yellow6-aesthetic with a more pronounced focus on tangible development. while attwood seems intent on remaining in the moment, quach reinterprets it time and again, adding consoling harmonies, reassuring themes and a narrative to the action. the music never really moves forward, but neither does it mark time, as though it were balancing on one foot, never entirely tilting to one side or the other.
as the title indicates, death is not a particularly uplifting journey, but it is never an outright depressive one either. if you look closely, there are mountains rising up at the very end of the deserts depicted on the front- and back-cover. somehow, making the promised land behind them his goal has been more important to attwood than actually getting there.
source: tokafi
tf104, a review
da war die debüt-lp + bei vielen sicher die frage: wird das jetzt so eine vö-frequenz geben, wie mit seinem anderen (oder besser: einem seiner anderen) projekt(e): fear falls burning.
erstaunlicherweise nicht und erstaunlich genug vielleicht besonders deshalb, weil dirk serries seit dem start immer wieder betont, microphonics sei sein persönlichstes projekt (und steckt man da dann nicht meist den größten ergeiz hinein?). statt dessen, neben einer tour-12“, zwar im studio aufgenommen, aber mit dem focus auf eben dem material der tour, eine lockere folge zweier live-vös, gleichzeitig schlicht und wertig als jeweils in weissen, silbernen und goldenen vinyl erscheinende lps, beide male einseitig mit nur einem stück bespielt, ohne weiteres cover. und auch die neue, „microphonics xiv“, führt dieses konzept weiter: gleiche aufmachung, wiederum live aufgenommen; diesmal jedoch zwei stücke, verteilt auf beide seiten.
möglicherweise stellt sich der eine oder die andere deshalb mittlerweile die frage: warum kein neues studio-album, warum diese (nur) auf den ersten blick fast unscheinbaren live-spots..? ich denke, dirk serries scheint für microphonics die bühne als sein labor zu nutzen, durch intensives live-spielen die microphonics weiter zu entwickeln, bewusste idee + intuition gleichermassen zuzulassen und die microphonics vom eng focussierten konzept des debüts stück für stück auszuweiten: soundlich + spieltechnisch, ein offen legen der entwicklungsschritte, nackt + direkt, wie das artwork dieser vös; das passt!
„microphonics xiv“, aufgenommen am 04.07.2010 at the kinky star club in gent in belgien, stellt damit einen weiteren schritt der öffnung der microphonics zu immer neuen wegen dar: war auf der „xii“ der gebrauch offener, als appregio gespielter akkorde dieser nächste schritt, so ist es diesmal eine varianz in der soundästethik und der spielattitüde, die die microphonics noch intimer und fast sakral wirken lässt: gleich das erste stück beginnt in einer derartig in sich gefestigten ruhe, dass die minuten später dazu tretenden, behutsam gesetzten appregios fast einer explosion nahe kommen. nur im ersten moment, die stimmung wird nicht zerstört, eigentlich sogar „nur“ auf detailebene variiert, aber dennoch, der eindruck ist da; so viel ruhe strahlt dieses stück aus. im weiteren erfolgt eine sehr subtile verdichtung mit bogenartig die mittlerweile das grundthema bildenden appregios umspielenden fäden, die im zeitlosen irgendwann in richtung ausklang driften… „microphonics xiv“, b, geht sogar noch weiter, verlässt den klang der gitarre + wird in seinem auftakt + grunddrone ganz orgel. und schafft es damit, noch stärker in sich zu ruhen + und auch wirklich jede zeit anzuhalten.
beide stücke übrigens mit dem ausklang bis ins fast unhörbare… + einem aufmerksamen publikum.wenn das so weiter geht, was wird wohl auf einem künftigen studio-album passieren? später… perfekt + nicht verpassen!"
source: unruhr
erstaunlicherweise nicht und erstaunlich genug vielleicht besonders deshalb, weil dirk serries seit dem start immer wieder betont, microphonics sei sein persönlichstes projekt (und steckt man da dann nicht meist den größten ergeiz hinein?). statt dessen, neben einer tour-12“, zwar im studio aufgenommen, aber mit dem focus auf eben dem material der tour, eine lockere folge zweier live-vös, gleichzeitig schlicht und wertig als jeweils in weissen, silbernen und goldenen vinyl erscheinende lps, beide male einseitig mit nur einem stück bespielt, ohne weiteres cover. und auch die neue, „microphonics xiv“, führt dieses konzept weiter: gleiche aufmachung, wiederum live aufgenommen; diesmal jedoch zwei stücke, verteilt auf beide seiten.
möglicherweise stellt sich der eine oder die andere deshalb mittlerweile die frage: warum kein neues studio-album, warum diese (nur) auf den ersten blick fast unscheinbaren live-spots..? ich denke, dirk serries scheint für microphonics die bühne als sein labor zu nutzen, durch intensives live-spielen die microphonics weiter zu entwickeln, bewusste idee + intuition gleichermassen zuzulassen und die microphonics vom eng focussierten konzept des debüts stück für stück auszuweiten: soundlich + spieltechnisch, ein offen legen der entwicklungsschritte, nackt + direkt, wie das artwork dieser vös; das passt!
„microphonics xiv“, aufgenommen am 04.07.2010 at the kinky star club in gent in belgien, stellt damit einen weiteren schritt der öffnung der microphonics zu immer neuen wegen dar: war auf der „xii“ der gebrauch offener, als appregio gespielter akkorde dieser nächste schritt, so ist es diesmal eine varianz in der soundästethik und der spielattitüde, die die microphonics noch intimer und fast sakral wirken lässt: gleich das erste stück beginnt in einer derartig in sich gefestigten ruhe, dass die minuten später dazu tretenden, behutsam gesetzten appregios fast einer explosion nahe kommen. nur im ersten moment, die stimmung wird nicht zerstört, eigentlich sogar „nur“ auf detailebene variiert, aber dennoch, der eindruck ist da; so viel ruhe strahlt dieses stück aus. im weiteren erfolgt eine sehr subtile verdichtung mit bogenartig die mittlerweile das grundthema bildenden appregios umspielenden fäden, die im zeitlosen irgendwann in richtung ausklang driften… „microphonics xiv“, b, geht sogar noch weiter, verlässt den klang der gitarre + wird in seinem auftakt + grunddrone ganz orgel. und schafft es damit, noch stärker in sich zu ruhen + und auch wirklich jede zeit anzuhalten.
beide stücke übrigens mit dem ausklang bis ins fast unhörbare… + einem aufmerksamen publikum.wenn das so weiter geht, was wird wohl auf einem künftigen studio-album passieren? später… perfekt + nicht verpassen!"
source: unruhr
tf084, a review (1)
gelijktijdig met ‘woes of the desolate mourner’ heruitgebracht op cd is het uit 2006 stammende ‘the rainbow mirrors a burning heart’, aangevuld met « i dreamed this mortal part of mine » (2005), een track die totnogtoe in de kast was blijven liggen. het eerste deel van ‘the rainbow …’ herbergt melancholie en is kenmerkend terwijl in het tweede deel fear falls burning zelden zo ‘hard’ heeft geklonken. halverwege deze track valt ruige drone in en wordt de sfeer grimmig, bijna aardedonker. een ervaring die hier zeker gesmaakt wordt.
source: dreun
source: dreun
tf093, a review (3)
de olievlek van muzikale initiatieven en creativiteit die de punk en new wave eind jaren zeventig veroorzaakte, ging ook aan nederland niet voorbij. ondergronds broeide het ook in de polder. sommige bands zochten naar vernieuwing, en werden ook buiten onze landsgrenzen bekend. zoals mecano, nasmak, minny pops en mekanik kommando. van de laatste is de debuutplaat it would be quiet in the woods if only a few birds sing uit 1981 op cd heruitgebracht.
op een goed moment wellicht, want de minimalistische, elektronische afdelingen van de new wave en postpunk worden ook elders afgestoft, bijvoorbeeld door het label minimal wave. bovendien gebruiken muzikanten in brooklyn, waar zoals u weet hét gebeurt, steeds vaker duistere deunen uit een ritmebox, onheilszwangere bastonen en hypernerveuze synthesizergeluiden als inspiratie.
deze elementen zijn in de elf nummers ruimschoots voorhanden. met een ritmebox, een synthesizer, twee basgitaren en elektronische percussie neemt mekanik kommando in de zomer van 1981 de plaat op, die verschijnt op het onafhankelijke label torso. de muzikale sfeer is kil en afstandelijk en doet denken aan het franse magma en kraftwerk. de zang van peter van vliet is doomy, maar bij tijden ook op een vreemde manier ontwapenend, zoals in ‘icefield’.
bijna dertig jaar later klinkt de plaat uiteraard enigszins krakkemikkig opgenomen. maar daaruit blijkt eens te meer de hang naar experiment van de groep, zonder al te avant-gardistisch te klinken. die hang komt in 1986 tot een hoogtepunt op het sfeervolle shadow of a rose, dat eveneens zijn tijd vooruit is.
het sterke punt van it would be quiet in the woods if only a few birds sing is nog steeds de geslaagde vrijage tussen mechanische ritmes, vervormd en stroperig klinkende basgitaren, en vindingrijke synthdetails die als vallende sterren uit het geluid tevoorschijn komen. het klinkt als een geheel, met als uitstekend voorbeeld het bijna noisy klinkende ‘replay’. in 1988 gaan enkele leden van de groep verder in house-achtige projecten. bij beluistering van deze prachtig verzorgde heruitgave helemaal niet zo’n gekke gedachte.
source: kindamuzik
op een goed moment wellicht, want de minimalistische, elektronische afdelingen van de new wave en postpunk worden ook elders afgestoft, bijvoorbeeld door het label minimal wave. bovendien gebruiken muzikanten in brooklyn, waar zoals u weet hét gebeurt, steeds vaker duistere deunen uit een ritmebox, onheilszwangere bastonen en hypernerveuze synthesizergeluiden als inspiratie.
deze elementen zijn in de elf nummers ruimschoots voorhanden. met een ritmebox, een synthesizer, twee basgitaren en elektronische percussie neemt mekanik kommando in de zomer van 1981 de plaat op, die verschijnt op het onafhankelijke label torso. de muzikale sfeer is kil en afstandelijk en doet denken aan het franse magma en kraftwerk. de zang van peter van vliet is doomy, maar bij tijden ook op een vreemde manier ontwapenend, zoals in ‘icefield’.
bijna dertig jaar later klinkt de plaat uiteraard enigszins krakkemikkig opgenomen. maar daaruit blijkt eens te meer de hang naar experiment van de groep, zonder al te avant-gardistisch te klinken. die hang komt in 1986 tot een hoogtepunt op het sfeervolle shadow of a rose, dat eveneens zijn tijd vooruit is.
het sterke punt van it would be quiet in the woods if only a few birds sing is nog steeds de geslaagde vrijage tussen mechanische ritmes, vervormd en stroperig klinkende basgitaren, en vindingrijke synthdetails die als vallende sterren uit het geluid tevoorschijn komen. het klinkt als een geheel, met als uitstekend voorbeeld het bijna noisy klinkende ‘replay’. in 1988 gaan enkele leden van de groep verder in house-achtige projecten. bij beluistering van deze prachtig verzorgde heruitgave helemaal niet zo’n gekke gedachte.
source: kindamuzik
tf093, a review (2)
ultra! eventjes telde nederland weer mee in de internationale rock avant-garde van de vroege jaren tachtig. strenge elektronische new wave, gemaakt met een onvervalste punky diy-attitude, zo laat het genre zich bijna dertig jaar na dato het best omschrijven. het vroege werk van de amsterdams/haarlemse minny pops werd een jaar of zeven geleden al op cd heruitgebracht. nu is het nijmeegse mekanik kommando aan de beurt. dit was hun debuutalbum uit 1981, destijds verschenen op torso. twee basgitaren, synthesizer, ritmebox en stem zorgen voor een elftal strakke, onderkoelde en vaak mompelend gezongen songs. mekanik kommando was destijds een van de lievelingen van het tijdgeest reflecterende muziekblad vinyl. en wie die periode bewust heeft meegemaakt, ziet bij het terughoren de beelden weer voor zich. de kleumende ultraconcerten in winterse onverwarmde kraakpanden. toegegeven, dit debuut klinkt anno 2010 gedateerd, maar verklankt wel een erg mooi tijdsbeeld. (peter bruyn)
source: revolver / lust for life
source: revolver / lust for life
tf092, tf093, a review (1)
in 1981 i used to read muziekkrant oor, a highly conservative dutch music magazine - still is, i guess - but there was nothing else for a 15 year old to read, even if you liked ‘new music’. new music, in my case, was joy division, factory records, wire - the sort of stuff that they also wrote about, but not big time. for my punk appetite i also read fanzines. i knew there was a world out there, which wasn’t exactly punk, but also not overground. the fanzines mentioned it, but it was hard to get hold off. on february 11 1981 muziekkrant oor ran a six page article called the ‘ultra guide to modern music’. ultra was the dutch equivalent of no new york, and ran from bands like tox modell to suspect, from soviet sex to divorce. ultra was also a weekly night organized at octopus in amsterdam and documented on a great compilation cassette. the article mentioned the immanent appearance of a new magazine, vinyl, which was due that same month. i rushed out to the local record store - which i did anyway on a various day-to-day basis - and they sold it. along with the first issue came a free flexi disc, one sided (just this first issue) of a band i never heard off, mekanik kommando. lo and behold, a band from my home city nijmegen. life would never be the same. ultra was the music i was looking for. the music of mekanik kommando was odd. a rhythm machine, two bass guitars, synth and vocals. a rich sound. a band to be noted, and i wasn’t the only one. mekanik kommando signed to an independent label, torso records, and recorded their first lp at home for the amount of 30 euros (by todays exchange rate). it wasn’t the first modern electronic lp in the netherlands - that honor goes out to ‘drastic measures’ by minny pops, but that was a much more radical record, an experience and an experiment in madness. mekanik kommando were, despite their odd line up, not experimental. mekanik kommando played popmusic. electronic popmusic, but not like, say human league. not really catchy hooks, but never the less great tunes. songs that were easy to remember and which had that doom of the day presence, but were also joyful. joyful in a sad way. ‘it would be quiet in the woods’ is a classic album. full stop. now i know one should be careful with the word ‘classic’ - the true character of the classic often lies just within the listener. its hard to recognize the classic in an album that is thirty years old (take a look a classic rock album - the tv series - and you know what i mean). but in this case, it truly is. mekanik kommando plays popmusic. the rhythm machine is grainy, one bass plays as a bass, one as a guitar and the synthesizer provide little melodies. peter van vliet’s voice is at times doomy, but can be, in a strange twist, also be sweet. listen to ‘ice field’ and you know what i mean. his lyrics are small stories. listen to the title piece and you know what i mean - a political song (mekanik kommando had a background in the local squat scene). the music is still as fresh and original as it was thirty years ago. an exciting re-issue. there are few records out there which needed a re-issue, i think, and this was probably number one on my list. their best record i think, even when their later records are great too - they even recorded for emi (and let’s hope all of their records make it to cd one day). what’s interesting is that when preparing for this release, an old tape popped up, recorded late 1979 with songs from their very embryonic stage and which are released on a limited 10” as ‘blue bananas’. here we hear some of the songs that later appeared on the first lp in a totally different version. ‘dress grey’ doesn’t sound at all what it sounds like on the later lp version. the voice is fed through effects/vocoder more than on the future recordings, but all the future signs are already in place. the rhythm machine firmly in the middle, bass, synth and (vocoded) voices around them. short tracks, merely sketches at times, but no less the most promising thing. i am jumping for joy, ecstatic. more than the first lp by minny pops on cd, or the rondos on cd (privately the best re-issue of last year), this is truly the one. there is a circle of music lovers out there for whom ‘dutch cold wave’ from 1980-1985 is the best thing. the first mekanik kommando lp is the holy grail.
p.s. whatever happened to the intro of ‘japanese eyes’ on the cd, i don’t know, but its different from the lp version. how did that come about?
source: vital weekly
p.s. whatever happened to the intro of ‘japanese eyes’ on the cd, i don’t know, but its different from the lp version. how did that come about?
source: vital weekly
tf093, a review (1)
eind vorig jaar bespraken we het wel heel erg psychedelische, zweverige en folky album “white nights: glowing lights” van the use of ashes en leerden dat die band voortkwam uit de tamelijk legendarische nederlandse new wave band mekanik kommando, waar ik al veel van gehoord had, maar nog niets van in mijn collectie had steken. ik werd er wel bijzonder nieuwsgierig naar en ben zelfs bij de lokale alternatieve platenboer (fat kat in antwerpen voor wie het mocht interesseren) gaan horen welke van hun vijf albums er op cd verkrijgbaar waren. enkel hun zwanenzang “the castle of fair welcome” uit 1988 zo bleek. spijtig en frustrerend, want ik was juist geïnteresseerd in hun vroege materiaal. en dan nu, een goed half jaar later, stuurt tonefloat ons zowaar de heruitgave van mekanik kommando’s debuutalbum uit 1981 (indertijd uitgegeven door torso)! waarvoor bijzondere dank!
genoemd naar een song van het franse prog/avantgarde collectief magma, speelde deze prille nijmeegse new wave band (opgericht in 1980) duidelijk leentjebuur bij de kille elektronica van kraftwerk. op “it would be quiet in the woods if only a few birds sing” (11 songs, 37 minuten) weerklinkt onvervalste minimal en cold wave. mekanik kommando brengt een erg strak geluid ten gehore met een simpele ritmebox, dito synthesizer en twee bassen. de zang is al even onderkoeld als de muziek en de songs zijn gezegend met ontwapenend naïeve lyrics. het album begint als een biologiecursus voor beginners met de songs “birds”, “microbes” en “plants”, maar naderhand worden ook andere onderwerpen aangesneden en blijken er in de naïeve lyrics ook veel waarheden op te duiken, zoals in “money for pleasure”, een simpele doch accurate analyse van het kapitalistische systeem: ‘try try try you succeed or die/money for pleasure/business for money, money for business/money for pleasure/ try try try you succeed or die’. het verwondert ons dan ook niets uit de persbio van tonefloat te vernemen dat de vier bandleden indertijd letterlijk op de barricaden de soundtrack verzorgden bij de piersonrellen, de beruchte nijmeegse krakersrellen in de winter van 1981 en deze linkse attitude maakt mekanik kommando in de ogen van uw reviewer enkel nog sympathieker.
mekanik kommando zijn muzikaal zo een beetje het nederlandse equivalent van ons belgische absolute body control en hun sound doet ons ook heel erg denken aan hun amerikaanse tijdgenoten crash course in science. het debuut van mekanik kommando klinkt heel erg retro voor hedendaagse oren (zoals ook absolute body control en crash course in science) en dat is juist de charme ervan. dit is de originele sound waar ook hedendaagse projecten als echo west, alien skull paint, bakterielle infektion etcetera maar al te graag naar teruggrijpen, luister maar eens naar zalige en ontroerend simpele minimal cold wave songs als “microbes” (supersong!), “icefield” en “dress grey”. een absolute aanrader voor de liefhebber van de originele minimal wave!
source: dark entries
genoemd naar een song van het franse prog/avantgarde collectief magma, speelde deze prille nijmeegse new wave band (opgericht in 1980) duidelijk leentjebuur bij de kille elektronica van kraftwerk. op “it would be quiet in the woods if only a few birds sing” (11 songs, 37 minuten) weerklinkt onvervalste minimal en cold wave. mekanik kommando brengt een erg strak geluid ten gehore met een simpele ritmebox, dito synthesizer en twee bassen. de zang is al even onderkoeld als de muziek en de songs zijn gezegend met ontwapenend naïeve lyrics. het album begint als een biologiecursus voor beginners met de songs “birds”, “microbes” en “plants”, maar naderhand worden ook andere onderwerpen aangesneden en blijken er in de naïeve lyrics ook veel waarheden op te duiken, zoals in “money for pleasure”, een simpele doch accurate analyse van het kapitalistische systeem: ‘try try try you succeed or die/money for pleasure/business for money, money for business/money for pleasure/ try try try you succeed or die’. het verwondert ons dan ook niets uit de persbio van tonefloat te vernemen dat de vier bandleden indertijd letterlijk op de barricaden de soundtrack verzorgden bij de piersonrellen, de beruchte nijmeegse krakersrellen in de winter van 1981 en deze linkse attitude maakt mekanik kommando in de ogen van uw reviewer enkel nog sympathieker.
mekanik kommando zijn muzikaal zo een beetje het nederlandse equivalent van ons belgische absolute body control en hun sound doet ons ook heel erg denken aan hun amerikaanse tijdgenoten crash course in science. het debuut van mekanik kommando klinkt heel erg retro voor hedendaagse oren (zoals ook absolute body control en crash course in science) en dat is juist de charme ervan. dit is de originele sound waar ook hedendaagse projecten als echo west, alien skull paint, bakterielle infektion etcetera maar al te graag naar teruggrijpen, luister maar eens naar zalige en ontroerend simpele minimal cold wave songs als “microbes” (supersong!), “icefield” en “dress grey”. een absolute aanrader voor de liefhebber van de originele minimal wave!
source: dark entries
tf092, a review (1)
onlangs bespraken we de heruitgave op cd van “it would be quiet in the woods if only a few birds sing”, het debuutalbum uit 1980 van de nijmeegse new wave band mekanik kommando. ze waren een van de groepen van de nederlandse ultra postpunkbeweging en bewogen zich in zeer linkse en anarchistische vaarwateren, gelieerd aan de krakerbeweging. hun naam haalden ze van een song van het franse avantgarde prog collectief magma.
samen met de heruitgave van dit debuut bracht tonefloat ook de vinylplaat “blue bananas” uit. op deze 10” 45-toerenplaat (speelduur 19 minuten) geperst op 180 grams doorzichtig vinyl in een bedrukte pvc hoes, vinden we de allereerste opnamen van mekanik kommando, daterend van 9 november 1979. het materiaal van deze cassette-demo werd nooit officieel uitgebracht, tot dat tonefloat het zopas - dikke 30 jaar later - op de markt smeet in een gelimiteerde editie van 475 exemplaren.
ging “it would be quiet in the woods if only a few birds sing” al helemaal de minimal wave en cold wave toer op, de prille opnames van “blue bananas” klinken eerder als experimentele new wave en postpunk, meer avant garde en een stuk ruwer, hoekiger en meer ongepolijst nog. gitaar en bas op een simpele ritmebox en syntheffecten leveren 9 korte, vrij kale en minimale songs op, met half gesproken, half gezongen vocals. het materiaal is iets minder sterk dan op het genoemde debuut, maar er zitten best al een aantal meer dan leuke songs tussen met als hoogtepunten het ironische “dress grey” - ‘act normal/ dress grey’ bezweert ons de zanger - en titelsong “blue bananas” met heel knap postpunk gitaarwerk en weirde geluidseffecten. een uniek tijdsdocument voor de liefhebber van avant garde new wave en postpunk.
source: dark entries
samen met de heruitgave van dit debuut bracht tonefloat ook de vinylplaat “blue bananas” uit. op deze 10” 45-toerenplaat (speelduur 19 minuten) geperst op 180 grams doorzichtig vinyl in een bedrukte pvc hoes, vinden we de allereerste opnamen van mekanik kommando, daterend van 9 november 1979. het materiaal van deze cassette-demo werd nooit officieel uitgebracht, tot dat tonefloat het zopas - dikke 30 jaar later - op de markt smeet in een gelimiteerde editie van 475 exemplaren.
ging “it would be quiet in the woods if only a few birds sing” al helemaal de minimal wave en cold wave toer op, de prille opnames van “blue bananas” klinken eerder als experimentele new wave en postpunk, meer avant garde en een stuk ruwer, hoekiger en meer ongepolijst nog. gitaar en bas op een simpele ritmebox en syntheffecten leveren 9 korte, vrij kale en minimale songs op, met half gesproken, half gezongen vocals. het materiaal is iets minder sterk dan op het genoemde debuut, maar er zitten best al een aantal meer dan leuke songs tussen met als hoogtepunten het ironische “dress grey” - ‘act normal/ dress grey’ bezweert ons de zanger - en titelsong “blue bananas” met heel knap postpunk gitaarwerk en weirde geluidseffecten. een uniek tijdsdocument voor de liefhebber van avant garde new wave en postpunk.
source: dark entries
tf058, a review (8)
microphonics i-v zag al eerder het levenslicht, maar wordt nu door tonefloat heruitgebracht met lichtjes langere versies van de originele tracks en uiteraard voorzien van een luxe-verpakking. microphonics is een ander geesteskind van dirk serries en beweegt zich tussen de lijnen die serries eerder met vidnaObmana en nu met drones heeft uitgezet. de ambient werd meer gitaargericht. niet enkel met de heruitgave van dit goede album maar ook met een europese toer stond microphonics erg centraal in serries’ agenda voor 2010.
source: dreun
source: dreun
tf051, a review (3)
mies mm. godfleshin ja jesun takaa eli justin k broadrickin nimi on alkanut viime aikoina enemmissä määrin vilahtelemaan meikäläisen levylautasella. the blood of heroesin superkokoonpanossa vaikuttaneena he ehtivät jo yhdessä lyömään alkuvuodesta sellaisen syvän puumerkin vuoden albumia käsittelevään listaan jonka myötä vieläkin tuntee voimakkaita jälkijäristyksiä tuosta julkaisusta. pakko se on vaan todeta vielä kerran että the blood of heroes on edelleenkin perkeleen loistava albumi joka ennenkaikkea onnistui kairaamaan uudenlaista hengitysreikää pariin nykypäivänä vaikeasti huomiota herättävään genreeseen. vinyylirintamalla ollaan sitten enemmänkin seulottu remiksauksen jalossa taidossa - nimittäin tuossa taannoin tuli hankittua lustmordin kahden raidan sisältämän kaksitoistatuumaisen [transmuted] jossa herra broadrick nikkaroi lustmordin yhtä [other] albumiin liittyvää materiaalia raskaasti uuteen muotoon ja samoilla linjoilla edetään myös tämän continuum julkaisun äärellä. continuum itsessään on siis dirk serriesien (vidna obmana, fear falls burning) ja steven wilsonin (bass communion, porcupine tree) kokeellinen kollaboraatio joka sai meikäläisen täydellisen huomion heidän toisella virallisella albumillaan, continuum 2, jota erityisesti värittävät raskaasti maalailevat kitara-dronet sekä albumin ytimeen oli onnistuttu luomaan ainutlaatuisen kylmä ja järkyttävän painostava tunnelma. jonkinlaista perinnettä noudattaen, kuten continuumin ensimmäisen albumin suhteen, myös tämä heidän kakkosalbumi sai erillisen remix-julkaisun jonka äänimaisemmallinen uudelleenkierrätys on jätetty tällä kertaa täysin jonkun muun harteille eli tässä tapauksessa herra broadrickin.
julkaisun aloittava “one” ei tee hirveästi pesäeroa alkuperäiseen materiaaliin. taustalla karheita ääriviivoja kaivertava kitara on miltei sama kuin emojulkaisulla esiintyvä “construct vi”. rumpujen semi-marssimaisesti etenevä ja hivenen jammailevasti tempoileva tahti luo kyllä uudenlaista nostetta teokseen mutta loppujen lopuksi se ei kuitenkaan tarjoile mitenkään radikaalisella tavalla uutta verta aikasempaan kokemukseen. “two” on jo huomattavasti raskaampi ilmestys - kirkuvasti huutavat, terävän särisevästi nuoleskevat kitarat poraavat kipukynnystä asteittain ylöspäin ja kuuntelun aikana naamalla näkyvä kihelmöivä irvistys muuntautuu hiljalleen nautinnon merkiksi. toisin sanoen; that’s the spirit i was looking for! herra broadrick on löytänyt sen voimakkaasti ja tärisevästi kumpuavan aspektin mikä teki continuum 2 albumista juuri sellaisen syvälle grindaavan luotauksen uusiin tuntemattomiiin ulottuvuuksiin ja jättäen taakseen pelkästään epäjärjestystä ja tuhoa. “three” ottaa selkeästi pari pientä askelta taaksepäin ja lähtee luisumaan huomattavasti enemmän elektronisempaa polkua jota siivittävät sähköisesti säkenöivä dark ambientmainen tunnelma jonka ympärille kierrätetään tasaisen tehokkaasti pulssahtelevaa signaalia. “four” ottaa tärkeimmät raaka-aineet “construct v” teoksesta ja lähtee muutenkin liikkumaan aika pitkälti samoissa tunnelmissa, tosin tällä kertaa tehden kaiken päinvastaisesti. ensiksi käynnistetään suht. rauhallisesti kaareileva kitara-drone joka kymmenen minuutin ajan projektoi tehokkaasti ilmapiiriä kunnes se lähtee viimeisellä viidella minuutilla irtaantumaan tästä dominoivasta sähköisestä elementistään ja siirtyy täysin elektroniseen ambientin pariin ja himmenee täysin pimentoonsa.
totta puhuen, itselläni oli vahva epäillys siitä että onko tästä alkuperäisestä albumista uudelleenkierrätykseen. potentiaalia toki löytyy pinnan alta mutta continuum 2 on itsessään jo sen verran loistosuoritus näiltä kahdelta artistilta ja vähemmän taitoja omaajan remiksaajan alaisuudessa matalimman aidan ylitys olisi liiankin helposti omaksuttavissa eli lähteä raidetta pitkin etenevään runttaamiseen ilman juuri minkäänlaista todellista päämäärää ja alkuperäisen äänimaailman ymmärrystä. mutta kuten herra broadrick demonstroi esimerkillisesti, osaavissa käsissä miltei kaikki taipuu ja siitä todisteena on tämä 74 minuutin behemoottinen julkaisu joka ennenkaikkea tarjoaa onnistuneesti vaihtoehtoisen väylän continuumin näkemykseen ja silti säilöen kokonaisuudessa hitaasti ja raa’asti sulateltavan mentaliteetin. fyysinen ulkomuoto täydentää tätä rujoa olemusta - continuum recyclings volume two on siis ainoastaan vinyylimuodossa saatavilla ja on varusteltu varsin mehevällä gatefold paketoinnilla josta varsinkin kahdelle 180 gramman ja vaalean sinisen marmoriin puristetusta vinyylistä huokuu sellainen piste i:n päälle viimeistelty. ja tietenkin tätä herkkua tarjoillaan 500 kappaleen painoksena.
source: yksi näkökulma
julkaisun aloittava “one” ei tee hirveästi pesäeroa alkuperäiseen materiaaliin. taustalla karheita ääriviivoja kaivertava kitara on miltei sama kuin emojulkaisulla esiintyvä “construct vi”. rumpujen semi-marssimaisesti etenevä ja hivenen jammailevasti tempoileva tahti luo kyllä uudenlaista nostetta teokseen mutta loppujen lopuksi se ei kuitenkaan tarjoile mitenkään radikaalisella tavalla uutta verta aikasempaan kokemukseen. “two” on jo huomattavasti raskaampi ilmestys - kirkuvasti huutavat, terävän särisevästi nuoleskevat kitarat poraavat kipukynnystä asteittain ylöspäin ja kuuntelun aikana naamalla näkyvä kihelmöivä irvistys muuntautuu hiljalleen nautinnon merkiksi. toisin sanoen; that’s the spirit i was looking for! herra broadrick on löytänyt sen voimakkaasti ja tärisevästi kumpuavan aspektin mikä teki continuum 2 albumista juuri sellaisen syvälle grindaavan luotauksen uusiin tuntemattomiiin ulottuvuuksiin ja jättäen taakseen pelkästään epäjärjestystä ja tuhoa. “three” ottaa selkeästi pari pientä askelta taaksepäin ja lähtee luisumaan huomattavasti enemmän elektronisempaa polkua jota siivittävät sähköisesti säkenöivä dark ambientmainen tunnelma jonka ympärille kierrätetään tasaisen tehokkaasti pulssahtelevaa signaalia. “four” ottaa tärkeimmät raaka-aineet “construct v” teoksesta ja lähtee muutenkin liikkumaan aika pitkälti samoissa tunnelmissa, tosin tällä kertaa tehden kaiken päinvastaisesti. ensiksi käynnistetään suht. rauhallisesti kaareileva kitara-drone joka kymmenen minuutin ajan projektoi tehokkaasti ilmapiiriä kunnes se lähtee viimeisellä viidella minuutilla irtaantumaan tästä dominoivasta sähköisestä elementistään ja siirtyy täysin elektroniseen ambientin pariin ja himmenee täysin pimentoonsa.
totta puhuen, itselläni oli vahva epäillys siitä että onko tästä alkuperäisestä albumista uudelleenkierrätykseen. potentiaalia toki löytyy pinnan alta mutta continuum 2 on itsessään jo sen verran loistosuoritus näiltä kahdelta artistilta ja vähemmän taitoja omaajan remiksaajan alaisuudessa matalimman aidan ylitys olisi liiankin helposti omaksuttavissa eli lähteä raidetta pitkin etenevään runttaamiseen ilman juuri minkäänlaista todellista päämäärää ja alkuperäisen äänimaailman ymmärrystä. mutta kuten herra broadrick demonstroi esimerkillisesti, osaavissa käsissä miltei kaikki taipuu ja siitä todisteena on tämä 74 minuutin behemoottinen julkaisu joka ennenkaikkea tarjoaa onnistuneesti vaihtoehtoisen väylän continuumin näkemykseen ja silti säilöen kokonaisuudessa hitaasti ja raa’asti sulateltavan mentaliteetin. fyysinen ulkomuoto täydentää tätä rujoa olemusta - continuum recyclings volume two on siis ainoastaan vinyylimuodossa saatavilla ja on varusteltu varsin mehevällä gatefold paketoinnilla josta varsinkin kahdelle 180 gramman ja vaalean sinisen marmoriin puristetusta vinyylistä huokuu sellainen piste i:n päälle viimeistelty. ja tietenkin tätä herkkua tarjoillaan 500 kappaleen painoksena.
source: yksi näkökulma
tf051, a review (2)
dirk serries als jemanden zu bezeichnen, der konzepte mag, diese entwickelt und auch tatsächlich realisiert; diese feststellung dürfte für jede[n], d(i)e[r] fear falls burning, microphonics, 3 seconds of air und seine zahlreichen kollaborationen kennt und verfolgt nur ein müdes lächeln hervorrufen; ob ihrer offensichtlichkeit, natürlich.
„continuum“, die erste(?) zusammenarbeit mit steve wilson (porcupine tree, bass communion) datiert zurück in das jahr 2005; in 2006 erschienen dann die „continuum recyclings volume one“ (sic!), auf doppel-lp, auf tonefloat, damals in der bearbeitung von vidnaobmana; d.h. von dirk serries früherem, jetzt ad acta gelegten alter ego selbst aus dem ausgangsmaterial von „continuum“ entwickelt. in 2007 dann „continuum 2“, auch wieder im aufklapp DVD-size digipack mit artwork von lasse hoile. und drei jahre später: „continuum recyclings volume two“. diesmal wurde das ausgangsmaterial jedoch zur gänze in fremde hände gelegt und justin k. broadrick of jesu + final (+...) die verantwortung übertragen.
und bevor ich zu der musikalischen seite komme, ein abschnitt zum artwork: tonefloat + artwork ist ja ein altes thema (eben in sachen qualität); der tonefloat „hausdesigner“ carl glover of aleph studio hat denn auch hier wieder alle register gezogen und eine perfekt unwirkliche szenerie zur coverikone erhoben: die verrotteten wohnplattformen eines längst aufgegebenen bohrfelds mitten im (hier auf dem foto fast spiegelglatten) meer: rost, schimmel, verfall, etc. und das im entlarvenden, geradezu bloßstellenden sonnenlicht. fast unwirklicher in diesem kontrast als in einem (bei dem motiv ja sofort denkbaren) twillight-setting. und damit vielleicht sogar eine visuelle spiegelung einer möglichen lesart der musik:
justin k. broadrick’s bearbeitung lässt durchaus noch den blick auf das original zu (zumindest stellenweise), die schärfe seiner mix- und filtertechnischen (so meine einschätzung dessen, was hier an bearbeitung stattgefunden hat) eingriffe schält die kraft, brutalität aber auch die atmosphäre des originals jedoch noch einmal auf ganz anderer ebene heraus, bietet fast eine eigene übersetzung, zumindest eine neue lesart. die, eindeutig, die gefährlichkeit betont: gibt #1 (der durchweg ohne titel versehenen 4 tracks) mit dem fast verhalten vorsichtigen rhythmus noch einen klaren halt innerhalb der drone-schichtung, mäandriert #2 bereits in einer art, die die fassbarkeit zwar pausenlos verspricht, diese jedoch in genau dem selben moment auch stets wieder entzieht. gut, dass #3 mit dem im stereofeld marodierendem pulsen da mehr orientierung gibt. aber auch nur, um um diesen kern herum mit oszilierender + resonierender filterbearbeitung eine art widergänger zu schaffen, dessen kraft weit über seine fast 22 minuten hinausreicht. killer. #4 greift dann (noch einmal) das riffing des originals auf, völlig abstrahiert versteht sich, und überführt es in eine (vergleichsweise) ruhige, ambiente wärme, die, nach diesem trip über vier seiten, wieder die wirklichkeit zulässt (danke!). auf passend zum cover himmelmeerblauen vinyl, tendenziell marbled.
so machen konzepte sinn. und spass.
source: unruhr
„continuum“, die erste(?) zusammenarbeit mit steve wilson (porcupine tree, bass communion) datiert zurück in das jahr 2005; in 2006 erschienen dann die „continuum recyclings volume one“ (sic!), auf doppel-lp, auf tonefloat, damals in der bearbeitung von vidnaobmana; d.h. von dirk serries früherem, jetzt ad acta gelegten alter ego selbst aus dem ausgangsmaterial von „continuum“ entwickelt. in 2007 dann „continuum 2“, auch wieder im aufklapp DVD-size digipack mit artwork von lasse hoile. und drei jahre später: „continuum recyclings volume two“. diesmal wurde das ausgangsmaterial jedoch zur gänze in fremde hände gelegt und justin k. broadrick of jesu + final (+...) die verantwortung übertragen.
und bevor ich zu der musikalischen seite komme, ein abschnitt zum artwork: tonefloat + artwork ist ja ein altes thema (eben in sachen qualität); der tonefloat „hausdesigner“ carl glover of aleph studio hat denn auch hier wieder alle register gezogen und eine perfekt unwirkliche szenerie zur coverikone erhoben: die verrotteten wohnplattformen eines längst aufgegebenen bohrfelds mitten im (hier auf dem foto fast spiegelglatten) meer: rost, schimmel, verfall, etc. und das im entlarvenden, geradezu bloßstellenden sonnenlicht. fast unwirklicher in diesem kontrast als in einem (bei dem motiv ja sofort denkbaren) twillight-setting. und damit vielleicht sogar eine visuelle spiegelung einer möglichen lesart der musik:
justin k. broadrick’s bearbeitung lässt durchaus noch den blick auf das original zu (zumindest stellenweise), die schärfe seiner mix- und filtertechnischen (so meine einschätzung dessen, was hier an bearbeitung stattgefunden hat) eingriffe schält die kraft, brutalität aber auch die atmosphäre des originals jedoch noch einmal auf ganz anderer ebene heraus, bietet fast eine eigene übersetzung, zumindest eine neue lesart. die, eindeutig, die gefährlichkeit betont: gibt #1 (der durchweg ohne titel versehenen 4 tracks) mit dem fast verhalten vorsichtigen rhythmus noch einen klaren halt innerhalb der drone-schichtung, mäandriert #2 bereits in einer art, die die fassbarkeit zwar pausenlos verspricht, diese jedoch in genau dem selben moment auch stets wieder entzieht. gut, dass #3 mit dem im stereofeld marodierendem pulsen da mehr orientierung gibt. aber auch nur, um um diesen kern herum mit oszilierender + resonierender filterbearbeitung eine art widergänger zu schaffen, dessen kraft weit über seine fast 22 minuten hinausreicht. killer. #4 greift dann (noch einmal) das riffing des originals auf, völlig abstrahiert versteht sich, und überführt es in eine (vergleichsweise) ruhige, ambiente wärme, die, nach diesem trip über vier seiten, wieder die wirklichkeit zulässt (danke!). auf passend zum cover himmelmeerblauen vinyl, tendenziell marbled.
so machen konzepte sinn. und spass.
source: unruhr
tf091, a review (4)
fundado como un proyecto orientado al legendario psicodélico rock-electrónico de mágicas setas alucinógenas, es un brebaje de alta energía de infusión de trance electrónico. en 1992, el proyecto tubo la atención internacional gracias a su publicación del primer disco “the politics of ecstasy” y a sus varios singles y remezclas, miestras pasó el tiempo, nunca dejaron de desarrollar y perfeccionar su sonido.
en “a coloured in dream” (2010), un e.p. en el que están presentando su obra más ambiciosa y arriesgada, hasta el momento. el título que da nombre a este espectacular trabajo, abarcan las guitarras en un solo que se oye en casi la totalidad del tema, un solo de guitarra cósmica, que se desvanece lentamente en una expansiva ambiental-secuencia recordando así, a las guitarras y música de pink floyd. el segundo tema: lambslide, podemos disfrutar de un sonido ambiental, adornado con ovejas y un saxo, que sobrecoje. el tercer tema y último: room 7, está dedicado a estados oscuros y misteriosos entre el poder estar soñando, y un vello despertar, entre el ambient y lo espacial, y una cerebro-fusión total, de sonidos que presentó a la banda, al mundo hace casi veinte años.
a coloured in dream; está editado en 3 ediciones de vinilo de 180gramos, uno en diferentes colores en blanco/azul mármol (50 copias), otro en vinilo blanco (100 copias) y por último en vinilo azul (250 ejemplares), y todo ello, en un hermoso diseño de escándalo, desplegable.
source: club saltomortal
en “a coloured in dream” (2010), un e.p. en el que están presentando su obra más ambiciosa y arriesgada, hasta el momento. el título que da nombre a este espectacular trabajo, abarcan las guitarras en un solo que se oye en casi la totalidad del tema, un solo de guitarra cósmica, que se desvanece lentamente en una expansiva ambiental-secuencia recordando así, a las guitarras y música de pink floyd. el segundo tema: lambslide, podemos disfrutar de un sonido ambiental, adornado con ovejas y un saxo, que sobrecoje. el tercer tema y último: room 7, está dedicado a estados oscuros y misteriosos entre el poder estar soñando, y un vello despertar, entre el ambient y lo espacial, y una cerebro-fusión total, de sonidos que presentó a la banda, al mundo hace casi veinte años.
a coloured in dream; está editado en 3 ediciones de vinilo de 180gramos, uno en diferentes colores en blanco/azul mármol (50 copias), otro en vinilo blanco (100 copias) y por último en vinilo azul (250 ejemplares), y todo ello, en un hermoso diseño de escándalo, desplegable.
source: club saltomortal
tf091, a review (3)
deze band komt oorspronkelijk uit de goa trance en de acid house/rave scene, waar ze zelfs mee aan ten grondslag lagen. de band ontstond in 1990 als het ambient dub zijproject van een andere groep, the magical mushroom band, een psychedelic en spacerock collectief opgericht in 1982. diens laatste album dateert al van 1994 en the magical mushroom band leidde daarna een sluimerend bestaan, terwijl astralasia gewoon verder ging. merkwaardigerwijs gaan ze nu op hun laatste album terug volledig de magic mushroom toer op, zij het dan nog steeds onder de naam astralasia.
vrees dus niet; geen psytrance of aanverwanten hier op het album “a coloured in dream”, maar een conglomeraat van ambient, psychedelic, space, prog en krautrock in het straatje van bands als ozric tentacles en porcupine tree. het album is verkrijgbaar op wit of blauw 180 gram zwaar vinyl in een mooie klaphoes en telt slecht 3 lange, instrumentale nummers (41 minuten speelduur).
de titeltrack is een heerlijk lang (13 minuten) nummer, dat kosmische horizonten verkent en klinkt als een soort pink floyd meets tangerine dream. het is het meest rockende nummer met nadrukkelijke naar het spacerock genre refererend gitaarwerk en eindigend met het geroep van meeuwen en stemsamples. het tweede nummer, “lambslide” (7,5 minuten) begint als een soort cover van pink floyds “sheep” (zowel de titel als de vogelgeluiden en het schapengeblaat zijn een duidelijke hint), maar krijgt gaandeweg een meer eigen karakter, dat van een meditatieve ambient track die een eind wegdrijft van de rocksound en in meer jazzy vaarwateren terechtkomt met keyboards en sax. de b-zijde van de plaat is voorbehouden aan één nummer slechts, het maar liefst 19 minuten durende “room 7”, meditatief, ambient en spacey. “a coloured in dream” is een mooie aanwinst voor de liefhebber van ambiente spacerock en psychedelica.
source: dark entries
vrees dus niet; geen psytrance of aanverwanten hier op het album “a coloured in dream”, maar een conglomeraat van ambient, psychedelic, space, prog en krautrock in het straatje van bands als ozric tentacles en porcupine tree. het album is verkrijgbaar op wit of blauw 180 gram zwaar vinyl in een mooie klaphoes en telt slecht 3 lange, instrumentale nummers (41 minuten speelduur).
de titeltrack is een heerlijk lang (13 minuten) nummer, dat kosmische horizonten verkent en klinkt als een soort pink floyd meets tangerine dream. het is het meest rockende nummer met nadrukkelijke naar het spacerock genre refererend gitaarwerk en eindigend met het geroep van meeuwen en stemsamples. het tweede nummer, “lambslide” (7,5 minuten) begint als een soort cover van pink floyds “sheep” (zowel de titel als de vogelgeluiden en het schapengeblaat zijn een duidelijke hint), maar krijgt gaandeweg een meer eigen karakter, dat van een meditatieve ambient track die een eind wegdrijft van de rocksound en in meer jazzy vaarwateren terechtkomt met keyboards en sax. de b-zijde van de plaat is voorbehouden aan één nummer slechts, het maar liefst 19 minuten durende “room 7”, meditatief, ambient en spacey. “a coloured in dream” is een mooie aanwinst voor de liefhebber van ambiente spacerock en psychedelica.
source: dark entries
tf091, a review (2)
i recently saw the use of ashes play at a monastery in ottersum near nijmegen. and bumped into tonefloat head-poncho charles beterams was also present in his role of use of ashes labelboss. after the show he came up to me and gave me a copy of the astralasia album stating “i might like it”. much to my glee (and hopefully his), i actually did. to me, the name astralasia was new, but it turns out they have been around since 1990 and they have quite a number of releases. the idea for astralasia was to start an ambient-dub project as an aside to the magic mushroom band, who were more like a psychedelic rock band. astralasia (marc hunt, wayne buaka, melanie taylor and samantha turner) have luckily shredded the rock part of the magic mushroom band (what a horrible name by the way), but kept the psychedelica. packed in a colorful gatefold cover and pressed on gorgeous blue vinyl, a coloured in dream consists of 3 long tracks. side one hits off with the title track. here we get drums, simple key-guitar playing and and near-silence with seagulls at the end (i love seagulls). to me, this is a bit too “groooovy rock-out”, even though i liked the long’s ending. lambslide, the second track, fares much better with leslie-like chords and more abstract ambience. the second side is possibly the best one with the side-filling room 7. here astralasia manages to sound like an experimental pink floyd with long stretches of ambience. it opens with a drone after which gentle guitar tones and synthesizer patterns set in. the result is at times almost like brainticket a la 1980 (for those readers too young to know what or who brainticket is; please go to your local record store and buy either celestial ocean, adventure of voyage - or better, all of them - and be amazed). the rhythm that sets in completes this picture. very nice indeed. in all, a very warm sounding and friendly record. not earth-shattering, but good enough for repeated enjoyment.
source: vital weekly
source: vital weekly
tf051, a review
even though, roughly a century after its inception, it still miserably fails at evoking a truly meaningful emotional response in most listeners, twelve-tone music continues to exercise an astounding theoretical fascination. one of the inspiring premises of the technique consisted in schönberg’s notion of the „grundgestalt“, a basic tone row containing all twelve pitches of the octave. despite acting as a the sole source of intervals and motivic modules for a piece, this pitch-collection did not necessarily have to appear in it verbatim. instead, the harmonic and melodic shapes contained within the grundgestalt would – ghost-like and invisible to the public - subconsciously influence the course of the music, aligning it into clearly defined patterns similar to the workings of a magnetic field. the idea has transpired well into the 21st century: even though dodecaphonic philosophies most likely played no part in it, for example, the first installment in the continuum recycling series, released in 2006, can be considered an intriguing variation of schönberg’s ideas. personally produced by continuum’s dirk serries, the four tracks contained on the album were based on a single, unreleased track of his project-partner steven wilson which, despite being unavailable to the public, was ingrained into the very dna of the music, determining its growth, developing its traits and directing its actions at every single second. the result was a colossal 80-minute double-album with allusions to krautrock and the sonic avantgarde, an uncompromising foray into the unknown which even surpassed the duo’s eponymous debut in terms of sheer explorational zest and ambition.
in true maximalist fashion, wilson and serries decided that the next installment in the cycle would have to surpass this already astounding achievement in every aspect. time naturally plays no role in such considerations and so it is a full four years after the last sign of life from what may well be their most daring and experimental outfit that justin k broadrick continues their mission by not merely mining a different track, but using the entire second continuum-full-length as source material. in itself, this should seem like a more straight-forward and conventional assignment, as the increased pool of samples, sequences, timbres and effects by default allows for a wider compositional scope and a broader palette of instrumental colours. broadrick has indeed readily made use of the opportunity, attacking the sounds at his disposal with the hunger of a creative cosmopolitan and a sonic jack of all trades. taking its queues from uplifting folk, doleful doom, spaced-out experimental acid and blissful ambient, the record has consequently turned out a dizzyingly eclectic affair, transcending the already massive ambitions of the original and extending into territory neither wilson nor serries have previously broached.
this kind of affluence, volubility and complete ignorance of genre-conventions comes naturally to someone like broadrick, whose career has spawned such groundbreaking and completely unique formations like napalm death, godflesh, techno animal, final as well as, more recently, jesu. on the other hand, the real challenge consisted in not just blindly rushing in, ripping the material apart and going wild with it, but to regard the process as a form of extended composition and a collaboration in the true meaning of the word. accordingly, the only track which actually sounds remotely like a remix is the first of four pieces here, a fresh take on „construct iii“, in which broadrick keeps the harmonic structure - delineated by a soaring guitar line - intact, while inflating the suspensefully jazzy cymbal strokes of the original into a crunching drum line, as though he were striking up a march (and, especially in the latter stages of the piece, the music actually takes on a bizarre swing). on the remaining titles, meanwhile, his approach is far more subtle and mainly involves the discrete integration of textural, thematic and melodic material into his structures: the massive powerchords of „construct i“ are first skilfully dissected and then organically stitched together again, resulting in the roaring, mantric repetition of a hypnotically brutal riff. the spooky ghost-messages of „construct ii“, on the other hand, now reappear underneath a blanket of warm and woozy sound-waves. more often than not, elements from various pieces are merged on one and the same track of the recyclings, rendering them even more complex and polyreferential than their blueprints.
the amount of restraint exercised by broadrick translates to an astounding focus. rather than cramming tracks with ideas, a single invention per piece is enough. burning indelible images on the mind’s eye, the comparatively high amount of repetition this implies also allows him to work with duration and to make use of seemingly trivial effects to great effect. most stunning in this regard is the third movement of the album. at 22-minutes’ length by far the most extensive cut of the collection, its musical material essentially consists of nothing but three just slightly out-of-phase one-note pulsations, one on the left, the second on the centre and one on the right channel. nothing but crude components on their own, their union creates a vertiginously interlocking rhythmic pattern. at around half-time, broadrick nothing as so much adds the slightest of warbles to the pattern, a variation which wouldn’t even register in a four-minute techno-track. within this alchemical environment, however, it represents the musical equivalent of an earthquake, causing an immediate shift in awareness and easily justifying the piece continuing with the same relentless monotony for another ten minutes.
similar epiphanies are hiding behind every corner here. continuum recyclings volume 2 works, because broadrick seems to be equipped with an instinctive knowledge of when his compositions have reached their point of saturation. formulating veritable telepathic responses to the ideas proposed by wilson and serries it is almost as though he were, at least on this occasion, not just an outsider but a veritable band member – a theory further reinforced by the fact that the front cover mentions the band-moniker, but none of the musicians involved. the more one thinks about it, the less continuum appears to be about its protagonists, but about the practical realisation of their collective philosophy: that music, thanks to its immaterial and spiritual nature, is truly capable of transcending all borders and surmounting all obstacles. like a schönbergean grundgestalt, the notion actively influences compositional decisions down to their most minute details, regardless of which creative mind may be at the helm at a particular point in time.
source: tokafi
in true maximalist fashion, wilson and serries decided that the next installment in the cycle would have to surpass this already astounding achievement in every aspect. time naturally plays no role in such considerations and so it is a full four years after the last sign of life from what may well be their most daring and experimental outfit that justin k broadrick continues their mission by not merely mining a different track, but using the entire second continuum-full-length as source material. in itself, this should seem like a more straight-forward and conventional assignment, as the increased pool of samples, sequences, timbres and effects by default allows for a wider compositional scope and a broader palette of instrumental colours. broadrick has indeed readily made use of the opportunity, attacking the sounds at his disposal with the hunger of a creative cosmopolitan and a sonic jack of all trades. taking its queues from uplifting folk, doleful doom, spaced-out experimental acid and blissful ambient, the record has consequently turned out a dizzyingly eclectic affair, transcending the already massive ambitions of the original and extending into territory neither wilson nor serries have previously broached.
this kind of affluence, volubility and complete ignorance of genre-conventions comes naturally to someone like broadrick, whose career has spawned such groundbreaking and completely unique formations like napalm death, godflesh, techno animal, final as well as, more recently, jesu. on the other hand, the real challenge consisted in not just blindly rushing in, ripping the material apart and going wild with it, but to regard the process as a form of extended composition and a collaboration in the true meaning of the word. accordingly, the only track which actually sounds remotely like a remix is the first of four pieces here, a fresh take on „construct iii“, in which broadrick keeps the harmonic structure - delineated by a soaring guitar line - intact, while inflating the suspensefully jazzy cymbal strokes of the original into a crunching drum line, as though he were striking up a march (and, especially in the latter stages of the piece, the music actually takes on a bizarre swing). on the remaining titles, meanwhile, his approach is far more subtle and mainly involves the discrete integration of textural, thematic and melodic material into his structures: the massive powerchords of „construct i“ are first skilfully dissected and then organically stitched together again, resulting in the roaring, mantric repetition of a hypnotically brutal riff. the spooky ghost-messages of „construct ii“, on the other hand, now reappear underneath a blanket of warm and woozy sound-waves. more often than not, elements from various pieces are merged on one and the same track of the recyclings, rendering them even more complex and polyreferential than their blueprints.
the amount of restraint exercised by broadrick translates to an astounding focus. rather than cramming tracks with ideas, a single invention per piece is enough. burning indelible images on the mind’s eye, the comparatively high amount of repetition this implies also allows him to work with duration and to make use of seemingly trivial effects to great effect. most stunning in this regard is the third movement of the album. at 22-minutes’ length by far the most extensive cut of the collection, its musical material essentially consists of nothing but three just slightly out-of-phase one-note pulsations, one on the left, the second on the centre and one on the right channel. nothing but crude components on their own, their union creates a vertiginously interlocking rhythmic pattern. at around half-time, broadrick nothing as so much adds the slightest of warbles to the pattern, a variation which wouldn’t even register in a four-minute techno-track. within this alchemical environment, however, it represents the musical equivalent of an earthquake, causing an immediate shift in awareness and easily justifying the piece continuing with the same relentless monotony for another ten minutes.
similar epiphanies are hiding behind every corner here. continuum recyclings volume 2 works, because broadrick seems to be equipped with an instinctive knowledge of when his compositions have reached their point of saturation. formulating veritable telepathic responses to the ideas proposed by wilson and serries it is almost as though he were, at least on this occasion, not just an outsider but a veritable band member – a theory further reinforced by the fact that the front cover mentions the band-moniker, but none of the musicians involved. the more one thinks about it, the less continuum appears to be about its protagonists, but about the practical realisation of their collective philosophy: that music, thanks to its immaterial and spiritual nature, is truly capable of transcending all borders and surmounting all obstacles. like a schönbergean grundgestalt, the notion actively influences compositional decisions down to their most minute details, regardless of which creative mind may be at the helm at a particular point in time.
source: tokafi
tf091, a review
we’re living in the age of quotes. bach chorales are woven into dub tunes. techno producers are recreating classical compositions. pianists are interpreting techno tracks. fate’s a cycle, life’s a loop, it all comes back, it all moves in circles: fashion is harking back to the 60s. rock stars are emulating the 70s. pop producers are referencing the 80s. dance is looking for inspiration in the 90s. and radio stations are happily playing tracks from five different decades and juxtaposing them with the hits of today. the members of astralasia have seen quite a few of these trends come and go, watching them pass by from inside the eye of the storm. when acid was rocking the clubs, their „politics of ecstacy“ held up timothy leary’s ambient mirror to the jilted generation. when the world discovered downbeat and chillout, their exotically tinged psy-trance-anthem „hashishin“ set the dancefloor on fire. they remixed rock bands when the idea still sounded bizarre and had the favour returned when the trend was already over. over the years, parts of their work have been considered passe, progressive and classic – or, not untypically, all of these at once. in short: for more than twenty years, it would seem, the band have been a constant on the electronic music scene without ever adhering to the dogmas of the here and now.
on a first listen, „a coloured in dream“ seems to reinforce this impression. the title track opens with a big-bang-like blast of space-riffing and delirious guitar solos, seagues into a passage of 21st century berlin-school sequencing and closes on a note of cosmic jazz. side-spanning „room7“ takes listeners on a meditative journey from slow-grooving soundscapes, ultradeep bass fields and cascades of shimmering chimes to a sweet and quiet microsound-finale. „lambslide“, finally, is a thinly disguised (or rather quite plainly packaged) tribute to pink floyd’s „sheep“, which the band play almost like a cover version of the original’s first two minutes, extending the introduction into a piece in its own right and focusing on atmospherics where roger waters and company would resolve the tension into a hypnotic rock-beat: a rhodes is playfully placing seventh-chords in cyberspace, icecold urban strings are menacingly piercing their fabric, mysterious choral voices are harmonising in the distance and a saxophone is absentmindedly floating on top, repeating the same melody ad infinitum.
quite obviously, astralasia are not looking at krautrock from a technical perspective. they don’t seem to be working with vintage tube amplifiers or living in a kibbutz. they’re not trying to copy the pioneers or to ride the timemachine back to 1968. and even though they know their crazy game of genres and styles can not possibly work on paper, the point is in doing it anyway, in transcending all borders and seeing where the current takes you. as such, thinking in album-spanning concepts and ten to fifteen minute long tracks is not part of a historical game to the formtion, but in fact comes completely naturally, constituting just one alternative compositional option among many. „a coloured in dream“ accordingly never feel like a collage but simply like a band uncovering uncanning parallels between the past and the present using them as points of departure for something entirely their own. adding specific references merely constitutes the sonic equivalent of including in-jokes and cameos in movies: they can add to the experience without being absolutely indispensible in terms of the story. aptly, you can never quite tell whether the music was performed in the studio by a fully-fledged band or by one man in his bedroom. whether it makes use of software synthesis or analogue hardware. whether it was recorded in a single explosion of creativity or meticulously sculpted over the course of three long years.
what seems certain however, is that astralasia’s aesthetics are foremost the result of the formation’s incessant touring and passionate live performances. more than anything, „a coloured in dream“ benefits from their knowledge of how to build sustainable narrative arcs and playing with moods, of guiding an audience along a razorblade of suspenseful motives and breaking the silence with a precisely-timed erruption of noise. it draws its power from the fact that all of these ideas have been systematically tried and tested over and over again, honed, refined and tweaked for maximum effect and then organically reassembled in the studio.
without a single doubt, astralasia know their bach canon from their dub tune, their techno from their mozart and their 60s from their 80s. in fact, it is precisely because of their deep understanding of these influences that they are capable of referencing them without falling prey to the curse of the quote. life may be a cycle but for the length of this album at least, it for once doesn’t seem like a neverending loop.
source: tokafi
on a first listen, „a coloured in dream“ seems to reinforce this impression. the title track opens with a big-bang-like blast of space-riffing and delirious guitar solos, seagues into a passage of 21st century berlin-school sequencing and closes on a note of cosmic jazz. side-spanning „room7“ takes listeners on a meditative journey from slow-grooving soundscapes, ultradeep bass fields and cascades of shimmering chimes to a sweet and quiet microsound-finale. „lambslide“, finally, is a thinly disguised (or rather quite plainly packaged) tribute to pink floyd’s „sheep“, which the band play almost like a cover version of the original’s first two minutes, extending the introduction into a piece in its own right and focusing on atmospherics where roger waters and company would resolve the tension into a hypnotic rock-beat: a rhodes is playfully placing seventh-chords in cyberspace, icecold urban strings are menacingly piercing their fabric, mysterious choral voices are harmonising in the distance and a saxophone is absentmindedly floating on top, repeating the same melody ad infinitum.
quite obviously, astralasia are not looking at krautrock from a technical perspective. they don’t seem to be working with vintage tube amplifiers or living in a kibbutz. they’re not trying to copy the pioneers or to ride the timemachine back to 1968. and even though they know their crazy game of genres and styles can not possibly work on paper, the point is in doing it anyway, in transcending all borders and seeing where the current takes you. as such, thinking in album-spanning concepts and ten to fifteen minute long tracks is not part of a historical game to the formtion, but in fact comes completely naturally, constituting just one alternative compositional option among many. „a coloured in dream“ accordingly never feel like a collage but simply like a band uncovering uncanning parallels between the past and the present using them as points of departure for something entirely their own. adding specific references merely constitutes the sonic equivalent of including in-jokes and cameos in movies: they can add to the experience without being absolutely indispensible in terms of the story. aptly, you can never quite tell whether the music was performed in the studio by a fully-fledged band or by one man in his bedroom. whether it makes use of software synthesis or analogue hardware. whether it was recorded in a single explosion of creativity or meticulously sculpted over the course of three long years.
what seems certain however, is that astralasia’s aesthetics are foremost the result of the formation’s incessant touring and passionate live performances. more than anything, „a coloured in dream“ benefits from their knowledge of how to build sustainable narrative arcs and playing with moods, of guiding an audience along a razorblade of suspenseful motives and breaking the silence with a precisely-timed erruption of noise. it draws its power from the fact that all of these ideas have been systematically tried and tested over and over again, honed, refined and tweaked for maximum effect and then organically reassembled in the studio.
without a single doubt, astralasia know their bach canon from their dub tune, their techno from their mozart and their 60s from their 80s. in fact, it is precisely because of their deep understanding of these influences that they are capable of referencing them without falling prey to the curse of the quote. life may be a cycle but for the length of this album at least, it for once doesn’t seem like a neverending loop.
source: tokafi
tf060, a review (7)
one again woodwind guru theo travis, well-known from his work with the tangent, the schizoid band and his solo efforts, and drone master dirk serries, aka fear falls burning, have joined forces. well, that is not completely true, the tonefloat sessions have already been recorded way back in 2008 but are now released, both on cd and lp, and accompanied by a concert tour. i hope they will provide us with armchairs during the shows as i do not expect a lot of dancing during the performance. this is because drone master serries likes his music slooooooooooooooooow, very sloooooooooooooooooow, and travis’ flute fits quite well in this low tempo music. two long ambient tracks flow on an almost tone flat manner (pun intended) though the ears of the listener who will levitate gradually but surely to higher spheres. after a mere 40 minutes this trip is already at its end, leaving the listener disoriented in a harsh world where the luxury of the slow (music) movement is not something many of us can afford. that is, until you purchase the tonefloat sessions.
source: background magazine
source: background magazine
tf090, a review (3)
ik weet niet of ik als gepromoveerd econoom blij moet zijn met een promo van de ex-wise heads of zou de hoofdredacteur me iets willen zeggen? hij heeft me sowieso geen plezier gedaan, want ondanks de naam maken de ex-wise heads moeilijke, heel moeilijke muziek. je weet wel: een collectie van allerhande geluiden die een quasi-diepzinnige betekenis hebben en waarvan je als intellectueel moet zeggen dat je er het universum in hoort, want anders word je niet voor vol aangezien. kan best, maar ik vind deze voortkabbelende, met tingeltjes en tangeltjes gelardeerde fluit- en bromgeluiden nogal vervelend. pas in de veertiende minuut van track 2 (!) komt er eindelijk wat vaart in. het kan me ook niet schelen dat porcupine tree's bassist colin edwin de scepter zwaait op deze heruitgave uit 2007, aangevuld met een bonustrack waarop een indiër pielt op een sitar. stomvervelend blijft stomvervelend, dan maar intellectueel af... [andre de waal]
source: io pages
source: io pages
Subscribe to:
Posts (Atom)